هنرمندان آمریکایی 7 استادی که دنیا را شگفت زده کردند

هنرمندان آمریکایی بسیار متنوع هستند. کسی مثل سارجنت یک جهان‌وطن آشکار بود. او اصالتاً آمریکایی است، اما تقریباً تمام زندگی بزرگسالی خود را در لندن و پاریس زندگی کرده است.

در میان آنها آمریکایی های معتبری نیز وجود دارند که مانند راکول فقط زندگی هموطنان خود را به تصویر می کشیدند.

و هنرمندانی خارج از این دنیا مانند پولاک هستند. یا کسانی که هنرشان محصول جامعه مصرفی شده است. البته این در مورد وارهول است.

با این حال، همه آنها آمریکایی هستند. آزادی خواه، جسور، روشن. هفت مورد از آنها را در زیر بخوانید.

1. جیمز ویسلر (1834-1903)

به سختی می توان ویستلر را یک آمریکایی واقعی نامید. او که بزرگ شد در اروپا زندگی کرد. و او اصلاً دوران کودکی خود را ... در روسیه گذراند. پدرش در سن پترزبورگ راه آهن ساخت.

در آنجا بود که جیمز پسر عاشق هنر شد و به لطف ارتباطات پدرش از ارمیتاژ و پیترهوف بازدید کرد (در آن زمان آنها هنوز کاخ هایی برای عموم بسته بودند).

چرا ویسلر معروف است؟ در هر سبکی که نقاشی می‌کند، از رئالیسم تا تونالیسم*، تقریباً بلافاصله می‌توان او را با دو ویژگی تشخیص داد. رنگ های غیر معمول و نام های موسیقی.

برخی از پرتره های او تقلید از استادان قدیمی است. مثلاً پرتره معروف او «مادر هنرمند».

این هنرمند با استفاده از رنگ هایی از خاکستری روشن تا خاکستری تیره آثار شگفت انگیزی خلق کرده است. و مقداری زرد.

اما این بدان معنا نیست که ویسلر چنین رنگ هایی را دوست داشت. او یک فرد خارق العاده بود. او به راحتی می توانست با جوراب های زرد و با چتر روشن در جامعه ظاهر شود. و این زمانی است که مردان منحصراً سیاه و خاکستری لباس می پوشند.

او آثار بسیار سبک تری هم نسبت به «مادر» دارد. به عنوان مثال، سمفونی در سفید. بنابراین تصویر توسط یکی از روزنامه نگاران در نمایشگاه فراخوانی شد. ویسلر از این ایده خوشش آمد. از آن به بعد تقریباً تمام آثارش را به صورت موسیقایی نامید.

اما پس از آن، در سال 1862، عموم مردم سمفونی را دوست نداشتند. باز هم به دلیل رنگ‌های خاص ویسلر. نوشتن زنی با لباس سفید روی زمینه سفید برای مردم عجیب به نظر می رسید.

در تصویر معشوقه مو قرمز ویسلر را می بینیم. کاملاً با روحیه پیش رافائلیت. از این گذشته ، پس از آن این هنرمند با یکی از آغازگران اصلی پیش رافائلیسم ، گابریل روستی دوست بود. زیبایی، نیلوفرها، عناصر غیر معمول (پوست گرگ). همه چیز همان است که باید باشد.

اما ویسلر به سرعت از پیش رافائلیسم دور شد. از آنجایی که برای او زیبایی ظاهری مهم نبود، بلکه خلق و خو و احساسات بود. و او یک جهت جدید ایجاد کرد - تونالیسم.

مناظر شبانه او به سبک تونالیسم واقعاً شبیه موسیقی است. تک رنگ، چسبناک.

خود ویسلر گفت که نام های موسیقی به تمرکز روی خود نقاشی، خطوط و رنگ کمک می کند. در عین حال بدون فکر به مکان و افرادی که به تصویر کشیده می شوند.

تونالیسم، و همچنین نزدیک به آن امپرسیونیسمدر اواسط قرن نوزدهم، عموم مردم نیز تحت تأثیر قرار نگرفتند. خیلی دور از واقع گرایی رایج در آن زمان.

اما ویسلر زمان خواهد داشت تا برای شناسایی صبر کند. تا پایان عمر، کارش با کمال میل خریداری خواهد شد.

2. مری کاسات (1844-1926)

مری کاسات در خانواده ای ثروتمند به دنیا آمد. او می توانست زندگی بی دغدغه ای داشته باشد. ازدواج کنید و بچه دار شوید. اما او راه دیگری را انتخاب کرد. به خاطر نقاشی به خود عهد تجرد داده بود.

با او دوست بود ادگار دگا. چهارشنبه گرفتم امپرسیونیست ها، برای همیشه از این جهت گرفته شده است. و "دختری با صندلی راحتی آبی" او اولین اثر امپرسیونیستی است که مردم دیدند.

اما هیچ کس واقعاً تصویر را دوست نداشت. در قرن نوزدهم، کودکان به صورت فرشتگان مطیع نشسته، با فرهای فر و گونه های گلگون به تصویر کشیده می شدند. و اینجا کودکی است که به وضوح بی حوصله است و در موقعیتی بیش از حد آرام نشسته است.

اما این مری کاسات بود که هرگز فرزندان خود را نداشت و تقریباً اولین کسی بود که آنها را به همان اندازه طبیعی به تصویر کشید.

برای آن زمان، کاسات یک "نقص" جدی داشت. او یک زن بود. او نمی توانست به تنهایی به پارک برود تا از طبیعت نقاشی کند. به خصوص برای رفتن به کافه ای که هنرمندان دیگر در آن جمع شده بودند. همه مردان! چه چیزی برای او باقی مانده بود؟

میهمانی های چای زنانه یکنواخت را در اتاق های نشیمن با شومینه های مرمری و ست های چای گران قیمت بنویسید. زندگی سنجیده و بی پایان خسته کننده است.

مری کاسات منتظر شناخت نشد. در ابتدا، او به دلیل امپرسیونیسم و ​​نقاشی های ظاهراً ناتمام رد شد. سپس، در قرن بیستم، به شدت "منسوخ" بود، زیرا هنر نو در مد بود (اقلیم) و فوویسم (ماتیس).

اما او تا آخر به سبک خود وفادار ماند. امپرسیونیسم پاستیل نرم. مادران با فرزندان.

کاسات به خاطر نقاشی، مادری را رها کرد. اما زنانگی او به طور فزاینده ای دقیقاً در آثار ظریفی مانند Sleeping Child آشکار شد. حیف است که یک جامعه محافظه کار او را در برابر چنین انتخابی قرار دهد.

3. جان سارجنت (1856-1925)

جان سارجنت مطمئن بود که تمام عمرش یک نقاش پرتره خواهد بود. حرفه به خوبی پیش می رفت. اشراف به صف آمدند تا به او دستور دهند.

اما یک بار هنرمند به نظر جامعه از مرز عبور کرد. اکنون برای ما دشوار است که بفهمیم چه چیزی در فیلم «مادام ایکس» تا این حد غیرقابل قبول است.

درست است، در نسخه اصلی، قهرمان یکی از bralettes را حذف کرده بود. سارجنت او را "بزرگ" کرد، اما این کمکی به پرونده نکرد. سفارشات بی نتیجه مانده است.

چه فحاشی مردم را دید؟ و این واقعیت که سارجنت مدل را در ژستی بیش از حد مطمئن به تصویر کشیده است. علاوه بر این، پوست شفاف و گوش صورتی بسیار گویا هستند.

تصویر، همانطور که بود، می گوید که این زن با افزایش تمایلات جنسی، از پذیرش خواستگاری مردان دیگر مخالف نیست. علاوه بر این، متاهل بودن.

متأسفانه، در پشت این رسوایی، معاصران شاهکار را ندیدند. لباس تیره، پوست روشن، ژست پویا - ترکیبی ساده که فقط با استعدادترین استادان می تواند پیدا شود.

اما هیچ بدی بدون خیر وجود ندارد. سارجنت در ازای آن آزادی دریافت کرد. او شروع به آزمایش بیشتر با امپرسیونیسم کرد. کودکان را در موقعیت های فوری بنویسید. اینگونه بود که اثر "میخک، لیلی، لیلی، رز" ظاهر شد.

سارجنت می خواست لحظه ای خاص از گرگ و میش را ثبت کند. بنابراین من فقط 2 دقیقه در روز کار می کردم که نور مناسب بود. تابستان و پاییز کار کرد. و وقتی گلها پژمرده شدند گلهای مصنوعی را جایگزین آنها کرد.

در دهه‌های اخیر، سارجنت به قدری طعم آزادی را چشید که شروع به کنار گذاشتن پرتره‌ها کرد. اگرچه شهرت او قبلاً ترمیم شده است. او حتی با بی ادبی یکی از مشتری ها را رد کرد و گفت که دروازه او را با لذت بیشتر از صورتش رنگ می کند.

معاصران با سارجنت با کنایه برخورد می کردند. منسوخ دانستن آن در عصر مدرنیسم. اما زمان همه چیز را سر جای خودش قرار داد.

اکنون ارزش کار او کمتر از کار مشهورترین مدرنیست ها نیست. خوب، چه رسد به محبت عموم و چیزی نگفتن. نمایشگاه با آثار او همیشه فروخته می شود.

4. نورمن راکول (1894-1978)

تصور هنرمند محبوب‌تر از نورمن راکول در طول زندگی‌اش دشوار است. چندین نسل از آمریکایی ها بر اساس تصاویر او بزرگ شدند. با تمام وجودم آنها را دوست دارم.

از این گذشته، راکول آمریکایی های معمولی را به تصویر می کشید. اما در عین حال زندگی خود را از مثبت ترین جنبه نشان می دهند. راکول نمی خواست نه پدران شرور و نه مادران بی تفاوت را نشان دهد. و با او کودکان ناراضی را نخواهید دید.

آثار او مملو از طنز، رنگ‌های شاداب و عبارات بسیار ماهرانه‌ای از زندگی است.

اما این یک توهم است که کار به راحتی به راکول داده شده است. او برای ایجاد یک نقاشی، ابتدا تا صد عکس با مدل های خود می گرفت تا ژست های مناسب را ثبت کند.

کار راکول تأثیر فوق العاده ای بر ذهن میلیون ها آمریکایی گذاشته است. از این گذشته ، او اغلب با کمک نقاشی های خود صحبت می کرد.

در طول جنگ جهانی دوم، او تصمیم گرفت نشان دهد که سربازان کشورش برای چه می جنگند. در میان چیزهای دیگر، نقاشی "آزادی از خواسته" را خلق کرده است. در قالب جشن شکرگزاری که همه اعضای خانواده با سیر و رضایت از تعطیلات خانوادگی لذت می برند.

راکول پس از 50 سال در شنبه ایونینگ پست، به مجله نگاه دموکراتیک تر نقل مکان کرد، جایی که توانست مواضع خود را در مورد مسائل اجتماعی بیان کند.

درخشان‌ترین اثر آن سال‌ها «مشکلی که با آن زندگی می‌کنیم» است.

این داستان واقعی یک دختر سیاهپوست است که به مدرسه سفیدپوستان رفته است. از زمانی که قانونی تصویب شد که مردم (و در نتیجه موسسات آموزشی) دیگر نباید بر اساس خطوط نژادی تقسیم شوند.

اما خشم ساکنان حد و مرزی نداشت. در راه مدرسه، دختر توسط پلیس محافظت می شد. در اینجا چنین لحظه "روتین" است و راکول را نشان داد.

اگر می خواهید زندگی آمریکایی ها را در نور کمی آراسته بشناسید (همانطور که خودشان می خواستند ببینند)، حتماً به نقاشی های راکول نگاه کنید.

شاید از میان تمام نقاشان ارائه شده در این مقاله، راکول آمریکایی ترین هنرمند باشد.

5. اندرو وایت (1917-2009)

برخلاف راکول، وایت چندان مثبت نبود. او که ذاتاً گوشه گیر بود، به دنبال آراستن چیزی نبود. برعکس، او معمولی ترین مناظر و چیزهای غیرقابل توجه را به تصویر می کشید. فقط یک گندم زار، فقط یک خانه چوبی. اما او حتی موفق شد چیزی جادویی را در آنها ببیند.

معروف ترین اثر او دنیای کریستینا است. وایت سرنوشت یک زن، همسایه اش را نشان داد. او که از کودکی فلج شده بود، در اطراف مزرعه خود خزیده بود.

بنابراین هیچ چیز عاشقانه ای در این تصویر وجود ندارد، همانطور که در ابتدا ممکن است به نظر برسد. اگر به دقت نگاه کنید، آنگاه زن لاغری دردناکی دارد. و با دانستن اینکه پاهای قهرمان فلج شده است، با ناراحتی می فهمید که او هنوز چقدر از خانه دور است.

وایت در نگاه اول پیش پا افتاده ترین ها را نوشت. اینجا پنجره قدیمی خانه قدیمی است. پرده ای کهنه که قبلاً شروع به تکه تکه شدن کرده است. بیرون پنجره جنگل را تاریک می کند.

اما در همه اینها رمز و رازی وجود دارد. یه نگاه دیگه

بنابراین کودکان می توانند با نگاهی بدون پلک به دنیا نگاه کنند. وایات هم همینطور. و ما با او هستیم.

تمام امور وایت توسط همسرش اداره می شد. او سازمان دهنده خوبی بود. این او بود که با موزه ها و مجموعه داران تماس گرفت.

رابطه عاشقانه کمی در رابطه آنها وجود داشت. موسیقی باید ظاهر می شد. و او تبدیل به یک هلگا ساده، اما با ظاهری خارق العاده شد. این چیزی است که در بسیاری از آثار می بینیم.

به نظر می رسد که ما فقط یک تصویر عکاسی از یک زن را می بینیم. اما به دلایلی، جدا شدن از آن سخت است. چشمانش بیش از حد پیچیده است، شانه هایش منقبض است. ما، همانطور که بودیم، از درون با او درگیر هستیم. تلاش برای یافتن توضیحی برای این تنش.

وایت که واقعیت را با تمام جزئیات به تصویر می کشد، به طور جادویی احساساتی را به او اعطا کرد که نمی تواند بی تفاوت بماند.

این هنرمند برای مدت طولانی شناخته نشد. او با واقع گرایی خود، هرچند جادویی، در جریانات مدرنیستی قرن بیستم قرار نمی گرفت.

هنگامی که کارگران موزه آثار او را خریدند، سعی کردند این کار را بی سر و صدا و بدون جلب توجه انجام دهند. نمایشگاه ها به ندرت برگزار می شد. اما به حسادت مدرنیست ها، آنها همیشه موفقیت چشمگیری داشته اند. مردم دسته دسته آمدند. و هنوز هم می آیند.

در مورد هنرمند با مقاله بخوانید دنیای کریستین. شاهکار اندرو وایت."

6. جکسون پولاک (1912-1956)

نادیده گرفتن جکسون پولاک غیرممکن است. او از خط خاصی در هنر عبور کرد که پس از آن نقاشی نمی‌توانست همان خط باشد. او نشان داد که در هنر به طور کلی می توان بدون مرز کار کرد. وقتی بوم را روی زمین گذاشتم و با رنگ پاشیدم.

و این هنرمند آمریکایی با انتزاع گرایی شروع کرد، که در آن هنوز می توان فیگوراتیو را ردیابی کرد. در اثر او در دهه 40 "تصویر کوتاه" خطوط کلی صورت و دست ها را می بینیم. و حتی برای ما نمادهایی به شکل صلیب و صفر قابل درک است.

کار او مورد تحسین قرار گرفت، اما آنها عجله ای برای خرید نداشتند. او مثل یک موش کلیسا فقیر بود. و بی شرمانه نوشید. با وجود ازدواج شاد. همسرش استعداد او را تحسین می کرد و برای موفقیت همسرش هر کاری انجام می داد.

اما پولاک در اصل شخصیتی شکسته بود. از همان دوران جوانی از اعمالش معلوم بود که مرگ زودهنگام سهم او بوده است.

این شکستگی در نتیجه او را در سن 44 سالگی به سمت مرگ سوق می دهد. اما او زمان خواهد داشت تا در هنر انقلاب کند و مشهور شود.

و این کار را در مدت دو سال متانت انجام داد. او توانست در سالهای 1950-1952 مثمر ثمر کار کند. او مدت ها آزمایش کرد تا اینکه به تکنیک قطره ای رسید.

او در حالی که بوم بزرگی را روی کف آلونک خود می‌کشید، دور آن راه می‌رفت، همانطور که در خود تصویر بود. و رنگ پاشید یا فقط ریخت.

این نقاشی های غیرمعمول به دلیل اصالت و تازگی باورنکردنی آنها با کمال میل از او خریداری شد.

پولاک از شهرت مات و مبهوت شد و در افسردگی فرو رفت و نمی دانست کجا باید برود. ترکیب مرگبار الکل و افسردگی برای او هیچ شانسی برای زنده ماندن باقی نگذاشت. یک بار خیلی مست پشت فرمان نشست. آخرین بار.

7. اندی وارهول (1928-1987)

فقط در کشوری با چنین کیش مصرفی، مانند آمریکا، می‌توان هنر پاپ متولد شد. و آغازگر اصلی آن البته اندی وارهول بود.

او با گرفتن معمولی ترین چیزها و تبدیل آنها به یک اثر هنری مشهور شد. اتفاقی که برای قوطی سوپ کمبل افتاد.

انتخاب تصادفی نبود. مادر وارهول به مدت بیش از 20 سال هر روز به پسرش این سوپ را می خورد. حتی زمانی که به نیویورک نقل مکان کرد و مادرش را با خود برد.

پس از این آزمایش، وارهول به چاپ صفحه علاقه مند شد. از آن زمان، او از ستاره های پاپ عکس گرفته و آنها را با رنگ های مختلف نقاشی کرده است.

مرلین مونرو نقاشی معروف او اینگونه ظاهر شد.

هزاران رنگ اسید مرلین تولید شد. هنر وارهول در جریان است. همانطور که در جامعه مصرف کننده انتظار می رود.

چهره های نقاشی شده توسط وارهول به دلایلی اختراع شد. و باز هم بدون تأثیر مادر نیست. در کودکی، در طول یک بیماری طولانی پسرش، او بسته هایی از کتاب های رنگ آمیزی را برای او می کشید.

این سرگرمی دوران کودکی به چیزی تبدیل شد که به کارت ویزیت او تبدیل شد و او را به طرز شگفت انگیزی ثروتمند کرد.

او نه تنها ستاره های پاپ، بلکه شاهکارهای پیشینیان خود را نیز نقاشی کرد. فهمیدم و "زهره" بوتیچلی.

زهره نیز مانند مرلین کارهای زیادی انجام داده است. انحصار یک اثر هنری توسط وارهول "پاک می شود" تا پودر شود. چرا هنرمند این کار را کرد؟

برای محبوبیت شاهکارهای قدیمی؟ یا برعکس، سعی کنید ارزش آنها را کم کنید؟ برای جاودانه کردن ستاره های پاپ؟ یا مرگ را با کنایه چاشنی کنید؟

آثار نقاشی شده او از مدونا، الویس پریسلی یا لنین گاهی بیشتر از عکس های اصلی قابل تشخیص هستند.

اما بعید است که شاهکارها تحت الشعاع قرار گیرند. با این حال، "زهره" اولیه بی ارزش باقی مانده است.

وارهول یک مهمانی پرشور بود و طردشدگان زیادی را به خود جذب می کرد. معتادان به مواد مخدر، بازیگران شکست خورده یا فقط شخصیت های نامتعادل. یکی از آنها یک بار به او شلیک کرد.

وارهول زنده ماند. اما 20 سال بعد، به دلیل عواقب زخمی که یک بار متحمل شده بود، به تنهایی در آپارتمانش درگذشت.

دیگ ذوب ایالات متحده

علیرغم تاریخچه کوتاه هنر آمریکا، دامنه آن گسترده است. در میان هنرمندان آمریکایی امپرسیونیست ها (سارجنت) و رئالیست های جادویی (وایت) و اکسپرسیونیست های انتزاعی (پولاک) و پیشگامان هنر پاپ (وارهول) وجود دارند.

خب، آمریکایی ها آزادی انتخاب را در همه چیز دوست دارند. صدها فرقه صدها ملت صدها جهت هنری. به همین دلیل است که او دیگ ذوب ایالات متحده آمریکا است.

*تونالیسم - مناظر تک رنگ از سایه های خاکستری، آبی یا قهوه ای، زمانی که تصویر در مه است. تونالیسم شاخه‌ای از امپرسیونیسم در نظر گرفته می‌شود، زیرا برداشت هنرمند را از آنچه دیده است را منتقل می‌کند.

***

نظرات سایر خوانندگان زیر را ببینید. آنها اغلب مکمل خوبی برای یک مقاله هستند. شما همچنین می توانید نظر خود را در مورد نقاشی و هنرمند به اشتراک بگذارید و همچنین از نویسنده سوال بپرسید.

نسخه انگلیسی مقاله